(foto di Caroline Traitler) English Version Below
Un rituale catartico per superare un periodo difficile attraverso 6 tracce strumentali. Giancarlo Erra in questo album ha messo a nudo come mai prima d’ora la sua anima, lasciando che gli echi della sua musica passata fossero liberi di dialogare con i pensieri e le emozioni che si sono fatti strada durante i diversi viaggi tra Inghilterra ed Italia ad assistere suo padre malato, da cui era stato lontano per tanti anni.
Departure Tapes (uscito lo scorso 2 luglio 2021 per Kscope) è ciò che le parole non riescono ad esprimere in una condizione umana di estrema fragilità in cui ciascuno di noi può ritrovare una parte di sé stesso. Abbiamo raggiunto Giancarlo tramite videochiamata per approfondire attraverso la sua voce quello che è stato il processo creativo dietro ciascun aspetto, dalla cover ai titoli dei brani, di quest’album straordinario.
Ciao Giancarlo e benvenuto su Extra! Music Magazine. Departure Tapes è uscito lo scorso 2 luglio per Kscope ed è un disco che ancora continuo ad ascoltare con immutato fascino. Nonostante la sua natura libera e sperimentale ha un fulcro di bellezza che non riesci mai a scalfire del tutto, un’anima seducente che ascolto dopo ascolto che ti ipnotizza con le sue note. Quindi complimenti per questo nuovo lavoro, è un regalo prezioso dopo un periodo buio per tutti, e che purtroppo ancora non è finito.
Come è stato recepito l’album dalla stampa e dagli ascoltatori?
E’ stato accolto come mi aspettavo, ero abbastanza cosciente che non fosse un album per le masse. Mi piacerebbe che lo fosse, a prescindere dal fatto che è il mio album, questo perché vorrei che le masse ascoltassero quel tipo di musica. Però ecco mi piace pensare che quando questo disco “arriva” all’ascoltatore quelli che ne sono catturati lo sono “completamente”, tanto che poi tipicamente mi scrivono raccontandomi di esserne stati ammaliati.
E questa è una cosa che mi fa molto piacere, soprattutto quando poi ci sono persone che mi mandano messaggi privati sui vari social scrivendomi di come l’album gli abbia ricordato un qualche avvenimento della loro vita, e come ho detto questa è la cosa che più gratifica. Quando questo album riesce a consolare, arrivando ad avere per altri lo stesso effetto avuto su di me che l’ho scritto, è come se il cerchio si chiudesse.
Ti ho sempre visto come un artista sfaccettato dalla discografia sfuggente, che non segue schemi prestabiliti di genere, sia con i nosound che in questa nuova “avventura” solista. C’è una misteriosa energia che si sprigiona dal modo in cui queste tracce nascono dal silenzio per poi crescere e frammentarsi in tanti piccoli spazi di poesia in cui l’analogico ed il digitale si fondono, per poi sfumare e tacere, anche se avrebbero potuto continuare per sempre, divenendo davvero “infiniti”. Vorrei quindi chiederti, quando inizi a pensare a della nuova musica, ancora prima di scriverla e poi di suonarla e registrarla, come ti muovi? Ci sono dietro le quinte dei processi mentali e pratici che segui quando componi?
Per questo album è stato abbastanza particolare il processo, anche perché in effetti non è che avessi in mente di scrivere un album. Tipicamente per me la musica è qualcosa che scrivo perché ne sento io il bisogno, e questo album è nato quando mi sono trovato a viaggiare molto tra l’Inghilterrra e Roma per assistere mio padre. Quindi chiaramente non essendo nel mio studio scrivevo in mobilità ed era un po' un modo per staccare il cervello ed elaborare tutto ciò che sentivo in me a livello del subconscio. E così è nata la musica di Departure Tapes. Al di là dell’esperienza avuto per questo album, di solito o ho voglia di scrivere qualcosa mettendomi tipicamente al pianoforte in studio, o, se sono in giro uso un pianoforte campionato ed improvviso.
Oppure altre volte mi viene semplicemente in mente un’idea spesso quasi completamente arrangiata, anche perché ho quasi sempre in mente lo strumento principale con la stragrande maggioranza degli accordi, con un po' di arrangiamento, con la presenza o meno di una batteria. La metà delle volte ho pertanto già formato dentro di me, e la cui provenienza rimane un mistero, un brano già completo. Non mi rimane che mettermi lì, vedere gli accordi e registrare velocemente un’idea prima che scompaia. Ho provato divere volte a scriverla così da poterla ricordare il giorno dopo, però poi non funziona mai (ride ndr).
In Departure Tapes, che io giudico come il tuo lavoro più personale ed intenso, la bellezza credo sia nel modo in cui questi brani sembrino al contempo “Pensati” e “Spontaneamente improvvisati”, un flusso di coscienza musicale che si avvicina all’essere una colonna sonora degli stati d’animo umani.
Si, il mio precedente disco, Ends, era più ragionato, essendo stato scritto non a tavolino ma comunque in maniera più canonica. E voleva suonare così in un certo senso. Mentre Departure Tapes è stato più una “free form of consciousenss” essendo nato in modo un po' più improvvisato. Il fatto di esser stato registrato quasi tutto dal vivo da me è stato il modo in cui ho voluto cercare di mantenere questo spirito compositivo che hai accennato te. Mettendoti in studio dicendo “ora registro questo strumento, poi un altro…” alla fine finisci per perdere quello spirito e fare un po' di “overthinking”.
Il tema che affronti in Departure Tapes, della perdita, del dolore (e qui un piccolo/grande plauso lo faccio alla meravigliosa title track di ben 17 minuti), è un insieme di stati d’animo ed emozioni di cui tutti prima o poi hanno avuto esperienza nel corso delle loro vite. Tu lo affronti esorcizzandolo per così dire con una musica che è profonda ed accessibile al contempo. Dunque vista questa “complessità” di fondo (e di conseguenza del tempo richiesto per coglierne e farne proprie le innumerevoli sfumature) volevo chiederti se credi che il supporto (digitale o fisico), e quindi il modo in cui ci si approccia ad un disco come questo (ascoltandolo a casa o a lavoro, oppure immersi nella natura per una passeggiata, possa influire nel giudizio e nella “comprensione” che un ascoltatore ha della tua musica.
Probabilmente la risposta è in egual misura sia affermativa che negativa, diciamo che dipende sempre dal modo in cui ciascuno è abituato ad ascoltare. Nel senso che se come dici tu sei abituato a fruirne in giro, magari facendo jogging o lavorando e dunque come un qualcosa che è in “background”, allora si il supporto ha un impatto importante sulla qualità dell’ascolto.
Dall’altro lato, se ad esempio ami ed acquisti il vinile, un supporto che ti costringe all’ascolto dall’inizio alla fine, la comprensione della musica stessa ne trae grande giovamento proprio perché questa tipologia di musica richiede un ascolto “dedicato” ed attento. Quindi diciamo che più che dal mezzo in sé la comprensione dipende da come una persona è abituata ad ascoltare un certo tipo di mezzo musicale. Nel mio caso ad esempio se sono nel mio studio, dove ho la qualità migliore di ascolto chiaramente, ecco qui non ho il giradischi (lo tengo nel salone) e pertanto è difficile che il vinile diventi per me un sistema d’ascolto dedicato, proprio perché se sono lì in sala magari c’è il giardino, il cane che mi gira attorno…insomma è difficile concentrarsi.
Se invece sono chiuso qui nel mio studio, magari sto ascoltando musica da Spotify, Apple Music o quel che sia, però lo sto ascoltando qui, magari nelle mie cuffie, magari sul mio monitor… Ci sono formati, come il vinile appunto, che potenzialmente portano più ad uno ascolto dedicato e formati come lo streaming che potenzialmente portano di più ad un’ascolto distratto.
L’album inizia con Dawn Tape che si apre con queste note ripetute di piano ed il suono intermittente e malinconico di un giradischi gracchiante. Questo esempio unito al fatto di associare l’archetipo del “tape”, del nastro, credo sia un ulteriore conferma del forte valore simbolico e nostalgico che la tua musica e questo disco vogliono esprimere. Quale è il significato di questi titoli e come li hai scelti?
Un po' per tradizione, un po' per significato tecnico e un po' per il loro valore allegorico. Tradizione perché il mio primo album solista si chiamava “Ends”, non mi piacciono gli album tematici quando sono cantati, ma mi piace in particolare quando sono strumentali. Mi piace pensare ad un album come fosse una serie di passaggi, come se fosse un’opera. Ed in questo album i “tapes” si rifanno al modo in cui questo album è stato scritto.
Ho scritto la maggior parte della musica su un OP1 (prodotto dalla Teenage Engineering), un piccolo apparecchio di registrazione che ha al suo interno un registratore a nastro digitale, che anche se non è realmente un registratore a nastro, essendo appunto digitale, si comporta però come tale. Questo mantenendo i limiti del registratore a nastro ed è uno dei motivi per cui lo uso spesso. Nel senso che, ad esempio, non vuoi quantizzare, non vuoi correggere…qui hai quattro tracce, sono limitate, sei minuti e poi è finito. Per cui diciamo che sono un grande fan delle “limitazioni” quando si tratta di scrivere musica. E si chiamano “tape”, tutte le cose che fai lì si chiamano così.
Avendo registrato quindi quasi tutto su questo strumento mi piaceva l’idea del tape. Ma poi appunto c’è anche un valore simbolico, di quando ero piccolo e si ascoltavano le musicassette. Quando con la mia ragazza (Caroline Traitler, fotografa - http://www.carolinetraitler.net/ ndr) abbiamo scoperto questo posto, dove poi è stata scattata la foto in copertina, lì è nato tutto quanto. A quel punto mi è venuto immediatamente in mente il titolo, l’idea della cassetta… Sapevo già che volevo aggiungere tape al nome delle tracce, e l’idea non ha fatto che rinforzarsi grazie a al collegamento tra tutte queste “coincidenze”.
Che poi alla fine non sono tali, ma sicuramente sono una serie di cose che ti fanno dire “si ha tutto un senso, tutto quanto cade nel posto giusto”.
L’artwork è anche in Departure Tapes un elemento che io trovo particolarmente rappresentativo della tua identità d’artista. Qui l’immagine scelta identifica perfettamente a livello visivo quello che poi si ascolta sul piano emozionale e musicale su disco. Noto poi un richiamo tematico nello scatto, non so se conscio oppure casuale, a quello che fu l’artwork di “A fine day to exit” degli Anathema. Come è nato questo scatto e quanto è importante per te l’aspetto “visivo” di un album in rapporto e come complemento al suo cuore pulsante che è la musica.
Riguardo il richiamo alla cover degli Anathema credo che anche Caroline mi avesse accennato alla cosa, ma non c’è nessun collegamento.
Lo scatto è nato quando mi sono trovato camminando con il cane in questa foresta, dove alla fine abbiamo scoperto questo posto. Era una discarica abbandonata di cose tipicamente anni 50, addirittura anche più vecchie, e quando ho visto quel camioncino blu ho saputo che questa immagine sarebbe stata la copertina di Departure Tapes. Ero in giro con la macchina fotografica per fare foto al mio cane e ho finito per scattare foto per la copertina del disco. Sono tornato più volte sul posto, anche per girare i video musicali.
La cosa che mi interessava maggiormente per la copertina erano i colori, sono un grande fan delle combinazioni cromatiche. E poi c’era questo senso un po' di “abbandono” e un po' di partenza se vuoi. Il cruscotto rotto, che permetteva di vedere oltre.. E’ stato qualcosa che mi è piaciuto molto, mi sembrava una cosa abbastanza malinconica ma non necessariamente triste. Anche se io stesso sono malinconico non mi piace la tristezza fine a sé stessa. Deve essere sempre un modo per elaborare qualcosa, piuttosto che indulgiarci. Quel luogo e quella copertina mi sono apparsi pertanto ideali.
Per quel che riguarda il ruolo dell’artwork, è essenziale per me tanto quanto la musica. Tipicamente il motivo per cui spesso realizzo io stesso i video dei miei brani è proprio perché è difficile per me pensare ad una musica senza qualche elemento visuale. Vanno sempre abbastanza assieme.
Sei in effetti molto “cinematografico”, sia nella tua fotografia che nei tuoi video.
Si, sono cresciuto così, a Beatles e Morricone. Di conseguenza come dicevo la musica ha sempre un forte elemento visuale. Se mi sto occupando di miei progetti, devo essere io a decidere come realizzare la copertina. Non è assolutamente un “vestito”, è la prima cosa che vedi, un po' come un libro. Se fossi uno scrittore mi verrebbe difficile dire “il libro lo fa il grafico”, la copertina non la fa il grafico ma io.
Qual è il tuo rapporto con Kscope e come si sono comportati con te anche in relazione a quest’ultimo album?
Si sono comportati come sempre, nel senso che sono un’etichetta che non mette bocca a meno che tu stesso non vai a chiedere un parere. Sanno che i loro artisti hanno uno standard minimo che non può essere inferiore allo standard Kscope se vuoi. Per cui non hanno una necessità di dover ascoltare o approvare nulla. Io di solito quando ho completato il lavoro sulla parte musicale chiedo a loro, ad esempio se ho due tracce da lasciar fuori perché altrimenti l’album risulterebbe troppo lungo chiedo “secondo voi quali potrebbero essere?”
Oppure loro hanno suggerimenti sul fare o meno un dvd, sul vinile singolo/doppio/colorato etc.. Sono, secondo me, come tutte le case discografiche dovrebbero essere. L’artista credo debba fare musica senza l’influenza esterna della casa discografica. La casa discografica è lì per fare in modo che una volta che tu hai fatto la musica, senza nessun compromesso, loro possano crearvi attorno il miglior marketing possibile. Dopo tanti anni insieme pertanto il mio rapporto con Kscope continua ad essere ottimo.
Per un artista oggi avere uno studio in casa, poter produrre e comporre senza grandi spostamenti, credi sia un aspetto essenziale, qualcosa che aiuti e velocizzi l’intero processo creativo? Qual è il tuo pensiero a riguardo?
Da poco ho messo su tutta una collezione di sintetizzatori di vecchia data che poi uso spesso, anche in Departure Tapes. E’ ovvio pensare che sia importante avere uno studio di registrazione in casa, quasi tutti i musicisti che conosco lo hanno. Praticamente potrebbe anche essere solo un computer. Io da quando ho iniziato a fare musica ho sempre voluto essere il mio produttore, imparando a fare tutto quanto per conto mio. Questo per poter avere influenze esterne solo quando voglio, senza esserne costretto. La cosa che un po' mi stupisce è che tanti artisti che stanno nascendo ora non hanno necessariamente questa idea. E’ molto sorprendente la quantità di messaggi che ricevo costantemente di gente che mi manda questo o quel demo.
Di solito si tratta sempre di cose prog/prog metal e magari mi chiedono “come posso fare a farlo ascoltare a Kscope?”. La maggior parte delle volte, devo essere onesto, purtroppo la qualità latita… E non parlo della qualità della scrittura, quello è qualcosa di personale e di solito se mi piace lo dico mentre se non mi piace non mi esprimo sul discorso del gusto soggettivo. Il problema è tecnico, in quanto sono cose che sarebbero potute essere dei demo 15 anni fa più o meno, ma oggi ormai non funziona più così con i demo. A casa si può realizzare un disco che suoni in modo professionale anche con un computer da 300 euro. Questo sempre accettando di studiare e fare esperienza. E’ inutile comprare questo o quel corso su youtube, non ci sono scorciatoie per l’esperienza. Ci vuole pazienza e lavoro.
Mi stupisce dunque come la “generazione di internet”, di giovani che dovrebbero sapere come comportarsi in questo ambiente, pensano, mandandomi questi demo, che esistano ancora le case discografiche che ti danno dei soldi per andare a registrare in qualche studio prestigioso. Io dico sempre: “Oggi non funziona così”. A meno che non vendi veramente centinaia di migliaia di copie oggi le cose le devi poter fare da solo. Gli strumenti li hai. Inutile scrivere alla casa discografica sperando che ti paghi. Non funziona così per nessuno. Più artisti possibile dovrebbero sapere che oggi bisogna essere manager, bravi con i social media, imprenditori.
E questo non solo per quanto riguarda i musicisti, ma per tutti i campi dovrebbe essere così. C’è una democratizzazione in corso. Tanti dicono “era meglio negli anni 70”, per me invece no, in quanto se eri qualcuno come i Pink Floyd avevi i soldi ed il supporto per fare un disco, tanti altri invece non riuscivano ad incontrarsi ed emergere, forse uno su milione ce la faceva. Ai nostri giorni chiunque invece può mettere musica su internet. Ed una volta lì devi sapere come spingerla. La parte divertente di tutti i mestieri è quella che di solito dura di meno. Per qualsiasi cosa ci sarà sempre un 20-30% di divertimento, il resto è qualcosa che devi fare e non necessariamente è divertente. Però va fatta.
Non sempre questo ragionamento arriva ad essere compreso molto dall’artista, io continuo a ribadirlo e spero prima o poi il messaggio venga recepito.
Ends, uscito sempre per Kscope nel 2019, aveva tema quello della fine, qui il cuore tematico si sposta al racconto di una fase molto difficile della tua vita. Nel futuro di questo tuo cammino solista hai previsto un legame tematico, ovvero l’avere una sorta di collegamento “invisibile” che vada a legare più album?
Mmm no, nella mia testa Ends e Departure Tapes non sono album collegati. Capisco quello che dici, anche se poi è qualcosa di molto personale. Non vedo molto un collegamento tematico e non ho neanche mai pensato ad esempio ad una trilogia. Non c’è un piano dietro. A dispetto del nome Ends lo considero un album che parla di inizi. Pertanto non so come sarà il prossimo disco, forse sarà la stessa cosa, forse no, non ne ho idea (ride ndr)
Hai volontà magari di usare anche nei tuoi dischi solisti la voce (al di là del fatto che sono comunque presenti anche in Departure Tapes, nella title track, dei vocalizzi femminili), e quindi di avvicinarti in questo senso al ruolo che ricopri anche nei Nosound? Oppure in questi dischi vuoi proseguire su di un percorso prettamente strumentale?
Non lo so, la risposta è uguale alla domanda precedente. Non ho un piano preciso, anche se mi è sempre piaciuto realizzare musica strumentale. Questo anche perché mi ha sempre interessato, visto che la gente mi conosce più come voce e chitarra dei Nosound, fare un disco in cui la voce è assente. Credo sia necessario mischiare un po' le carte.
Si alla fine sono d’accordo. E’ parte della bellezza di questo tuo percorso solista proprio il fatto di staccarti dai ruoli che ricopri normalmente nei Nosound.
La voce (e le parole) sono qualcosa di strano, quando cominci ad inserirle vai in qualche modo a “rinchiudere” il significato di un pezzo. Sono un qualcosa di molto specifico mentre quando crei un brano strumentale lasci le cose un pochino più aperte, ed è la cosa che mi piace di più. Però sai avendo ormai fatto due dischi solisti non ho neanche più la necessità di dover affermare che questo è un discorso diverso dai Nosound, per cui chissà in futuro inserirò anche qui la voce. In verità non credo, perché quando penso alla voce penso ad una “song”, e quindi un “songwriting” diverso, e mi piace spesso pensarlo in un contesto di band, anche se è una canzone solo piano e voce.
Per quanto riguarda possibili collaborazioni future? C’è il desiderio di avere qualche ospite in un prossimo disco?
Si mi piacerebbe ma anche qui non faccio piani, sono sempre cose che avvengono un po' “in divenire”. Credo dipenda sempre da come nasce l’album, se per caso mi vedo con Tim (Bowness, cantante solista e parte del gruppo inglese dei No-man fondato nel 1986 insieme a Steven Wilson, ndr), sicuramente facciamo qualcosa assieme, ne abbiamo già fatte in passato, ma non ci sono programmi per includerle poi in un album, anche se però ripeto mi piacerebbe e non escludo che accada in futuro.
Possibilità di ascoltarti/vederti live prossimamente? Magari anche online?
Vedo i termini online e live abbastanza in contraddizione. Durante il lockdown abbiamo visto le stanze da letto, i bagni e i salotti di tutto il mondo. Non mi è mai piaciuta l’idea di mettermi qui a suonare di fronte ad uno schermo, che sia con il synth, il pianoforte o la chitarra, è qualcosa che non mi attira proprio. Non mi attira da utente, non mi attira da ascoltatore e quindi mi attira ancora meno da artista. Per quanto riguarda il live dal vivo non so per l’album solista, anche perché in questo momento ad inizio settembre suoniamo con i Nosound, e non vedo l’ora.
Non suoniamo da un paio d’anni per cui sono impaziente di prendere l’aereo e venire giù in Italia, vedermi con tutti, metterci in studio, fare prove ed andare a suonare. Come si suol dire “mi sto proprio suonando addosso”, è qualcosa che davvero mi manca tanto. Non ho piani per adesso riguardo al portare dal vivo la mia musica solista, anche se forse ci sono un paio di cose in ballo il prossimo anno. Non sono un fan dei grandi tour in generale (ed in particolare per il mio materiale solista) quanto più nel fare concerti live in poche e piccole occasioni, magari in contesti particolari. Ci sono ora più piani live per la band, anche perché il nuovo album dei Nosound sarà una delle cose su cui adesso mi concentrerò di più. I prossimi due anni saranno principalmente concentrati sulla band.
Nel salutarti ti ringrazio ancora per il tuo tempo e per questo nuovo e meraviglioso album, sicuramente tra i miei dischi di questo 2021.
Grazie a te Riccardo, a presto.
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A cathartic ritual to overcome a difficult period through 6 instrumental tracks. Giancarlo Erra laid bare his soul as never before in this album, letting the echoes of his past music free to converse with the thoughts and emotions that came up during his various trips between England and Italy to assist his ailing father, from whom he had been away for so many years. Departure Tapes (released on July 2, 2021, by Kscope) is what words cannot express in a human condition of extreme fragility in which each of us can find a part of ourselves. We caught up with Giancarlo via video call to explore through his voice the creative process behind each aspect, from the cover to the song titles, of this extraordinary album.
Hello Giancarlo and welcome to Extra! Music Magazine. Departure Tapes was released on July 2, 2021, by Kscope and it is a record that I still listen to with undiminished fascination. Despite its free and experimental nature it has a core of beauty that you can never quite shake, a seductive soul that listens to it and hypnotises you with its notes. So congratulations on this new work, it's a precious gift after a dark period for everyone, which unfortunately is still not over.
How has the album been received by the press and listeners?
It was received as I expected, I was quite aware that it wasn't an album for the masses. I'd like it to be, regardless of the fact that it's my album, because I'd like the masses to hear that kind of music. But here I like to think that when this album "reaches" the listener, those who are captivated by it are "completely" captivated, so much so that they typically write to me telling me they were captivated by it. And this is something that gives me great pleasure, especially when there are people who send me private messages on various social networks telling me how the album reminded them of some event in their lives, and as I said, this is the most gratifying thing.
When this album is able to console, and has the same effect on others as it had on me when I wrote it, it's like a circle is closed.
I've always seen you as a multifaceted artist with an elusive discography, who doesn't follow any set genre patterns, both with nosound and in this new solo 'adventure'. There is a mysterious energy that emanates from the way in which these tracks are born from silence and then grow and fragment into many small spaces of poetry in which the analogue and the digital merge, and then fade out and become silent, even though they could have continued forever, becoming truly "infinite". So I would like to ask you, when you start thinking about new music, even before writing it and then playing and recording it, how do you go about it? Are there behind-the-scenes mental and practical processes that you follow when you compose?
For this album it was quite a special process, because I didn't really have an album in mind. Typically for me music is something I write because I feel the need to, and this album came about when I found myself travelling a lot between England and Rome to assist my father. So clearly not being in my studio I was writing on the move and it was a bit of a way to disconnect my brain and process everything I was feeling on a subconscious level.
And so the music of Departure Tapes was born. Aside from the experience I had for this album, I usually either feel like writing something by typically sitting at the piano in the studio, or if I'm out and about I use a sampled piano and improvise. Or other times I simply come up with an idea, often almost completely arranged, also because I almost always have the main instrument in mind with the vast majority of the chords, with a bit of arrangement, with the presence or absence of a drum kit. Half the time I have therefore already formed within me, and whose origin remains a mystery, an already complete song.
All I have to do is stand there, look at the chords and quickly record an idea before it disappears. I've tried many times to write it down so I can remember it the next day, but it never works (laughs).
In Departure Tapes, which I judge to be your most personal and intense work, the beauty I think is in the way these tracks seem both 'Thought out' and 'Spontaneously improvised', a musical stream of consciousness that comes close to being a soundtrack to human states of mind.
Yes, my previous record, Ends, was more reasoned, having been written in a more canonical way. And it wanted to sound like that in a way. Departure Tapes, on the other hand, was more of a 'free form of consciousness', having come about in a more improvised way. The fact that it was recorded almost all live by me was the way I wanted to try to keep that compositional spirit that you mentioned. If you go into the studio and say 'now I'm going to record this instrument, then another one...' you end up losing that spirit and doing a bit of 'overthinking'.
The theme you deal with in Departure Tapes, of loss, of pain (and here a small/big applause I do for the wonderful title track of 17 minutes), is a set of moods and emotions that everyone has experienced sooner or later in their lives. You deal with it by exorcising it, so to speak, with music that is deep and accessible at the same time. So, considering this basic "complexity" (and consequently the time required to grasp and make one's own the countless nuances) I wanted to ask you if you think that the support (digital or physical), and therefore the way in which one approaches a record like this (listening to it at home or at work, or immersed in nature for a walk), can influence the judgement and the "understanding" that a listener has of your music.
The answer is probably both yes and no, it always depends on the way one is used to listening. In the sense that if, as you say, you are used to listening to it while out and about, maybe while jogging or working, and therefore as something that is in the "background", then yes, the support has an important impact on the quality of the listening. On the other hand, if, for example, you love and buy vinyl, a medium that forces you to listen to it from beginning to end, then the understanding of the music itself benefits greatly because this type of music requires "dedicated" and careful listening. So let's say that more than the medium itself, understanding depends on how a person is used to listening to a certain type of music medium. In my case, for example, if I'm in my studio, where I have the best listening quality, I don't have my turntable (I keep it in the living room), so it's difficult for me to use vinyl as a dedicated listening system, because if I'm there in the living room, maybe there's the garden, the dog around me...in short, it's difficult to concentrate.
If I'm in my studio, I'm listening to music from Spotify, Apple Music or whatever, but I'm listening here, maybe in my headphones, maybe on my monitor... There are formats, like vinyl, that potentially lead more to dedicated listening and formats like streaming that potentially lead more to distracted listening.
The album begins with Dawn Tape which opens with these repeated piano notes and the intermittent, melancholic sound of a croaking turntable. This example, together with the fact of associating the archetype of the "tape", I think is a further confirmation of the strong symbolic and nostalgic value that your music and this record want to express. What is the meaning of these titles and how did you choose them?
A little by tradition, a little by technical meaning and a little by their allegorical value. Tradition because my first solo album was called 'Ends', I don't like thematic albums when they are sung, but I particularly like them when they are instrumental. I like to think of an album as a series of passages, as if it were an opera. And in this album the tapes relate to the way this album was written. I wrote most of the music on an OP1 (made by Teenage Engineering), a small recording device that has a digital tape recorder inside, which although not really a tape recorder, being digital, acts like one.
This maintains the limitations of the tape recorder and is one of the reasons why I use it a lot. In the sense that, for example, you don't want to quantize, you don't want to correct... here you have four tracks, they're limited, six minutes and then it's over. So let's say I'm a big fan of 'limitations' when it comes to writing music. And they're called "tapes", all the stuff you do on there is called that. So having recorded almost everything on this instrument, I liked the idea of the tape. But then there is also a symbolic value, from when I was little and we listened to cassette tapes. When my girlfriend and I (Caroline Traitler, photographer - http://www.carolinetraitler.net/ editor's note) discovered this place, where the photo on the cover was taken, it all came together. At that point I immediately thought of the title, the idea of the tape...
I already knew that I wanted to add tape to the name of the tracks, and the idea only got stronger thanks to the connection between all these 'coincidences'. Which in the end aren't really coincidences, but are definitely a series of things that make you say "yeah, it all makes sense, everything falls into the right place".
The artwork is also in Departure Tapes an element that I find particularly representative of your identity as an artist. Here the chosen image perfectly identifies on a visual level what you then hear emotionally and musically on the record. I also notice a thematic reference in the shot, I don't know if conscious or casual, to what was the artwork of "A fine day to exit" by Anathema. How was this shot born and how important is for you the "visual" aspect of an album in relation and as a complement to its beating heart that is the music.
Regarding the reference to the Anathema cover, I think Caroline had also mentioned it to me, but there is no connection.
The shot came about when I found myself walking with the dog in this forest, where we eventually discovered this place. It was an abandoned dump of typical 50s stuff, even older, and when I saw that blue truck I knew this image would be the cover of Departure Tapes. I was out with my camera taking pictures of my dog and ended up taking pictures for the record cover. I went back to the location several times, including to shoot the music videos. The thing I was most interested in for the cover was the colours, I'm a big fan of colour combinations. And then there was this sense a bit of 'abandonment' and a bit of departure if you like. The broken dashboard, which allowed you to see over...
It was something I really liked, it felt quite melancholic but not necessarily sad. Even though I'm melancholic myself I don't like sadness for its own sake. It always has to be a way of processing something rather than indulging in it. That location and that cover therefore seemed ideal to me. As for the role of the artwork, it's as essential to me as the music. Typically the reason why I often make the videos for my songs myself is because it's hard for me to think of music without some visual element. They always go quite well together.
You are indeed very 'cinematographic', both in your photography and in your videos.
Yes, that's how I grew up, on Beatles and Morricone. So as I said, music always has a strong visual element. If I'm doing my own projects, I have to be the one to decide how to do the cover. It's absolutely not a 'dress', it's the first thing you see, a bit like a book. If I were a writer, it would be difficult for me to say "the graphic designer does the book"; I don't do the cover, I do the cover.
What is your relationship with Kscope and how did they behave with you also in relation to this last album?
They've behaved as they always have, in the sense that they're a label that doesn't put their mouth unless you go and ask for an opinion yourself. They know that their artists have a minimum standard that can't be lower than the Kscope standard if you like. So they don't have a need to hear or approve anything. I usually ask them when I'm done with the music, for example if I have two tracks that I want to leave out because otherwise the album would be too long, I ask them "what do you think they should be?" Or they have suggestions on whether or not to make a dvd, single/double/coloured vinyl etc.. They are, in my opinion, the way all record companies should be.
The artist I think should make music without the outside influence of the record company. The record company is there to make sure that once you have made the music, without any compromise, they can create the best possible marketing around it. So after so many years together my relationship with Kscope continues to be very good.
For an artist today, having a studio in your home, being able to produce and compose without having to move around a lot, do you think this is essential, something that helps and speeds up the whole creative process? What are your thoughts on this?
I've recently put together a whole collection of old synthesisers that I use a lot, including on Departure Tapes. It's obvious to think that it's important to have a recording studio at home, almost all the musicians I know have one. It could practically be just a computer. Since I started making music I always wanted to be my own producer, learning to do everything on my own.
That's to be able to have outside influences only when I want to, without being forced. The thing that kind of amazes me is that so many artists that are coming up now don't necessarily have that idea. It's very surprising the amount of messages I get constantly from people sending me this or that demo. Usually it's always prog/prog metal stuff and maybe they ask me "how can I get Kscope to listen to it?". Most of the time, I have to be honest, unfortunately the quality is lacking... And I'm not talking about the quality of the writing, that's something personal and usually if I like it I'll say so, but if I don't like it I won't say so because of subjective taste. The problem is technical, because these are things that could have been demos 15 years ago more or less, but nowadays it doesn't work like that with demos anymore.
At home you can make a record that sounds professional even with a 300 euro computer. This always accepting to study and make experience. It is useless to buy this or that course on youtube, there are no shortcuts to experience. It takes patience and work. It amazes me how the 'internet generation', young people who should know how to behave in this environment, think, by sending me these demos, that there are still record companies that give you money to go and record in some prestigious studio. I always say: 'It doesn't work like that today'. Unless you really sell hundreds of thousands of copies, today you have to be able to do things yourself. You have the tools.
It's pointless writing to the record company hoping they'll pay you. It doesn't work that way for anyone. As many artists as possible should know that today you have to be a manager, good with social media, an entrepreneur. And that's not just for musicians, but for all fields it should be like that. There is a democratisation going on. A lot of people say 'it was better in the 70s', but I don't think so, because if you were someone like Pink Floyd you had the money and the support to make a record, but a lot of people couldn't meet and emerge, maybe one in a million could. Nowadays anybody can put music on the internet. And once there you have to know how to push it. The fun part of any job is the part that usually lasts the least.
For anything there will always be 20-30% fun, the rest is something you have to do and it's not necessarily fun. But it has to be done. This reasoning is not always well understood by the artist, I keep repeating it and hope that sooner or later the message will get through.
Ends, also released by Kscope in 2019, had the theme of the end, here the thematic heart shifts to the story of a very difficult phase of your life. In the future of this solo path of yours, do you foresee a thematic link, that is to say, a sort of "invisible" link that will connect several albums?
Mmm no, in my mind Ends and Departure Tapes are not linked albums. I understand what you are saying, even if it is something very personal. I don't see much of a thematic connection and I never even thought of a trilogy, for example. There is no plan behind it. In spite of the name Ends I consider it an album about beginnings. So I don't know what the next record will be like, maybe it will be the same thing, maybe not, I have no idea (laughs).
Do you maybe want to use the voice in your solo records too (apart from the fact that there are also female vocals in Departure Tapes, in the title track, anyway), and so to approach in this sense the role you play also in Nosound? Or do you want to continue on a purely instrumental path in these records?
I don't know, the answer is the same as the previous question. I don't have a precise plan, even though I've always liked making instrumental music. This is also because I've always been interested in making a record in which the voice is absent, since people know me more as the voice and guitar of Nosound. I think it's necessary to mix things up a bit.
Yes, in the end I agree. It's part of the beauty of your solo career that you're breaking away from the roles you normally play in Nosound.
The voice (and the words) are something strange, when you start putting them in you sort of 'lock up' the meaning of a piece. They're very specific, whereas when you create an instrumental piece you leave things a bit more open, and that's what I like most. But you know, having done two solo records now, I don't even need to say that this is different from Nosound, so maybe in the future I'll include vocals here too.
In truth I don't think so, because when I think of vocals I think of a "song", and therefore a different "songwriting", and I often like to think of it in a band context, even if it's just a piano and vocals song.
As for possible future collaborations? Is there a desire to have some guests on a future record?
Yes, I'd like to, but I don't make plans here either, it's always something that happens a bit "in the making". I guess it always depends on how the album comes out, if by chance I see Tim (Bowness, lead singer and part of the English band No-man founded in 1986 with Steven Wilson, ed.), for sure we'll do something together, we've already done some in the past, but there are no plans to include them in an album, but again I would like to and I don't exclude that it will happen in the future.
Could we hear/see you live in the near future? Maybe even online?
I see the terms online and live as quite contradictory. During the lockdown we saw bedrooms, bathrooms and living rooms all over the world. I've never liked the idea of standing here and playing in front of a screen, whether it's on synth, piano or guitar, it's just not something that appeals to me. It doesn't appeal to me as a user, it doesn't appeal to me as a listener, and so it appeals to me even less as an artist.
As for live performances, I don't know about the solo album, also because we're playing with Nosound in early September right now, and I'm looking forward to it. We haven't played for a couple of years so I'm looking forward to get on a plane and come down to Italy, meet everyone, get in the studio, rehearse and go play. As they say, "I'm really playing on myself", it's something I really miss. I don't have any plans at the moment about taking my solo music live, although there might be a couple of things in the works next year. I'm not so much a fan of big tours in general (and particularly of my solo material) as I am of doing live gigs on a few small occasions, perhaps in special contexts.
There are now more live plans for the band, not least because the new Nosound album will be one of the things I'll be concentrating on most now. The next two years will be mainly focused on the band.
While saying goodbye, thank you again for your time and for this wonderful new album, definitely among my records of this 2021.
Thank you Riccardo, see you soon.
Articolo del
25/08/2021 -
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